Страстный модерн. Искусство, совершившее революцию

В 1913-м Коло Мозер поехал в Швейцарию, где встретился с Фердинандом Ходлером, и поздние его работы напоминают цветными контурами работы этого художника. Мозер идет дальше Ходлера, изучая теорию цвета и теософскую школу, усиливая влияние цвета. Также для него важна линия, написанная пластично. В качестве театрального декоратора он создал декорации к постановкам многих немецких театров и Венской оперы. На картинах Мозера мы видим новых людей, людей будущего.

Коло Мозер, Странник, 1914, Бельведер. Австрия, Вена

© Österreichische Galerie Belvedere

Светящаяся фигура богини любви в гроте, который символизирует объятья, напоминает аллегории ветра и моря на римских саркофагах. Мозер учился на отделении живописи в Венской академии, но живописью занялся только после ухода из мастерских. Он использует цвет как средство выражения, сочетая искусственный цвет и свет в гармоничных композициях.

Грот окружает женскую фигуру. Венера освобождает сама себя из пузыря плодородия, представляя образ современной женщины. В качестве метафоры вспоминается рождение Афины Паллады из открытой головы Зевса. Венера похожа на скульптуру и представляет собой изображение античного божества, как описывал искусствовед Винкельман: «Белый мрамор как образец человеческого и божественного воплощения». Здесь показана метаморфоза саморождения так, как мог ее выразить только гений.

Венера символизирует превращение старого в новое. У нее сильные руки и ноги, она держит на себе своды грота. Новый человек для человечества – это доказательство способности самосоздания без необходимости создавать образ господа. Внутренняя опора становится синонимом автономии человека как творца своего существования.

«Странник» Мозера в сильном, неудержимом шаге опирается на палку, которую держит в руках. Его несут вперед его цели. Он следует по своей собственной траектории, а не по чужому велению, и является настоящим примером действия из внутренней мотивации. Все тело становится носителем и выражением его духа. Это новое определение человека, который является создателем и сценаристом своей судьбы. Цель его жизни – это самообладание и саморазвитие.

Художника вдохновляла современная фотография, он использовал ее принципы в своем творчестве. Мозер помещает фигуру человека в искусственный свет, как тогда было принято в фотостудиях. Все тело странника окружает свечение, настоящая аура, как у святых. Это не случайно. Обнаженное тело здесь не демонстрирует стандарты бодибилдинга, а выражает индивидуализацию через работу над собой. Жизнь и судьба человека зависят от генетики, привычек питания, социальной интеграции, семейных ценностей и образования. Мы все разные. Мозер стремится показать, как развернуть индивидуальные способности, пропагандируя идею Ницше по созданию нового человека.

Заключение

1918 год стал переломным. Он ознаменовал не только конец войны, но и конец многовековой империи Габсбургов и одновременно конец венского модерна. Ушли из жизни главные представители авангарда: Климт, Шиле, Мозер и Вагнер. Было ли это случайностью? Йозеф Хофман вернулся к своему прежнему стилю – классицизму.

Вена стала городом, где модерн зародился и развеялся с закатом монархии. Модерн получил развитие в новообразованных странах, таких как Чехословакия и Югославия. Архитектура модерна отделилась от монархии Габсбургов, а в Австрии вернулись к традициям домодерновской эпохи.

Венский модерн стал эстетическим переворотом повседневного мира человека. На пути к самоопределению и исследованию себя Оскар Кокошка и Эгон Шиле создали новые способы определения собственной идентичности, австрийское направление экспрессионизма. Работа этих экспрессионистов была остановлена началом Первой мировой войны.

В 1920-х экономическая нестабильность и фашистские идеи блокировали развитие творческой мысли. Однако после Второй мировой войны последователи Шиле – экспрессионисты – активизировались.

Глава 6

Современное австрийское искусство

Интересно, что вовсе не всеми любимый Климт становится источником развития искусства Австрии. Революцию совершает Эгон Шиле, чей экспрессионизм становится созвучным XX веку.

Шиле не было и 20 лет, когда он совершил переворот в искусстве. Он отбрасывает все привычные традиции изображения портрета, все табу и позволяет себе исследовать свою идентичность с помощью рисунка. И целое поколение художников будет ориентироваться на него.

Более 100 лет прошло после смерти Шиле, однако его эпохальное значение чувствуется до сих пор.

Шиле – первый художник, который утверждает новый предмет изображения искусства XX века – себя.

Никто до Шиле не изображал себя так отвратительно. Никто с такой готовностью не отказывался от изображения эстетического, прекрасного.

Глядя на картины Шиле, мы сами страдаем от внутренней боли. Шиле использует документальные фотографии психически нездоровых людей, чтобы показать деформацию души и времени.